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De New York : Un Hommage à l’artiste Alain Kirili

D 11 novembre 2021     A par Viktor Kirtov - C 0 messages Version imprimable de cet article Version imprimable    ................... PARTAGER . facebook


Voici un message aux amis d’Alain Kirili par Ariane Lopez-Huici, sa femme :

Dear Friends, Chers Amis,

Here is a wonderful written Tribute to Alain and I think you will enjoy to read them because they are All absolutely heartwarming marvelous !

With fondness,

Ariane


Concert sans Public : Ned Rothenberg, Alain Kirili and Ariane Lopez-Huici, 2021
Avec l’aimable autorisation de Roulette Intermedium
Nota : Quelques semaines avant son décès, sentant sa mort prochaine, Alain Kirili -que l’on découvre ici, amaigri, - et Ariane, sa femme, avaient organisé, cet ultime Concert (sans public), dans son atelier newyorkais, au milieu de ses dernières œuvres.

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Les textes ci-après ont été traduits de l’anglais (avec l’aide de DeepL.com ) :

I – Hommage à Alain Kirili
(1946-2021)
Sous la direction de Carter Ratcliff et Robert C. Morgan

NOV 2021

Carter Ratcliff

En lisant les hommages rendus à Alain, j’ai été heureux mais pas surpris de constater un tel degré d’unanimité. Comme le disent ses amis, il était charmant, sophistiqué et brillamment créatif. Il était généreux non seulement envers les autres artistes, mais aussi envers les musiciens, les danseurs et les poètes. Il croyait en la haute culture, non pas comme un marqueur de supériorité, mais comme un bien plus terre à terre que lui et sa femme Ariane Lopez-Huici s’efforçaient de rendre accessible à tous. Bien qu’il ne s’agisse pas d’une liste complète de ses vertus et de ses talents dont on se souvient avec amour, je voudrais m’attarder sur l’un d’entre eux qui n’a été mentionné qu’en passant : Alain était un écrivain d’une originalité impressionnante. Dans "Statuary versus Idols", un essai publié dans Artforum en 1983, il s’attaque à l’interdiction par Moïse de l’imagerie idolâtre : une doctrine scripturaire potentiellement troublante non seulement pour Alain et d’autres artistes juifs, mais aussi pour tout artiste de la tradition occidentale.

"Vraiment ?", pourrait-on se demander. Dans un monde de l’art séculier, qui s’inquiète de l’idolâtrie ? Eh bien, Alain s’en est inquiété, car il a compris que les œuvres d’art peuvent devenir des fétiches vénérés pour leurs auras séduisantes de richesse et/ou d’élégance. Il n’a cependant pas fulminé contre l’œuvre d’art en tant qu’idole. Il a plutôt fait l’éloge des œuvres d’art - en particulier les sculptures de David Smith et de Barnett Newman - qui ont une "présence". "Statuaire contre idoles" tourne autour de cette idée, qui est, dans sa dévotion monumentale à son égard, moins une idée qu’une réalité intuitive. Et un signal d’alarme pour ceux qui se cachent dans l’aile académique du monde de l’art, prêts à bondir sur toute déviation de l’orthodoxie. Car l’utilisation de "Présence" avec un "P" majuscule brise un tabou dérivé de l’argument de Jacques Derrida selon lequel le mot est la moitié privilégiée d’une opposition binaire intégrée à la métaphysique occidentale dans toute son oppression patriarcale.

La moitié non privilégiée de cette opposition est bien sûr "l’absence". Les autres binaires sont nature/culture, esprit/corps, et parole/écriture. Pour la tradition qui a commencé avec les philosophes présocratiques et qui persiste encore aujourd’hui, ces oppositions reflètent des vérités transcendantes avant tout ce que nous pouvons dire ou écrire à leur sujet. Pour Derrida, elles sont des artefacts de notre parole et de notre écriture - des "constructions" sociolinguistiques - et le processus consistant à montrer comment elles fonctionnent a été appelé, à juste titre, "déconstruction".

L’objectif de Derrida était anti-autoritaire. Plutôt que d’inverser ce que nous pourrions appeler la dynamique du pouvoir de ces binaires - pour privilégier l’"absence", par exemple, au détriment de la "présence" - il a montré que leurs parties sont égales et interdépendantes. Mais le véritable anti-autoritarisme est une chose rare. Les opportunistes parmi les disciples de Derrida ont vu dans la déconstruction une chance de reconfigurer les modèles de pouvoir et de se mettre à la tête des nouvelles configurations. Mettant hors la loi le mot "Présence" en le transformant en raccourci des inégalités traditionnelles, ils ont condamné quiconque osait l’écrire ou le prononcer. Le point crucial est qu’Alain a compris tout cela, non pas en tant que théoricien, mais en tant qu’artiste très lu et doué pour les conversations sérieuses avec les interlocuteurs les plus divers. C’est ainsi qu’il a écrit avec admiration sur la "Présence", avec une indifférence totale à l’égard de toute accusation tendancieuse qui pourrait être portée contre ce mot.

Cette indifférence était sous-tendue par le sentiment d’Alain que, tout comme les vieux binaires ne sont pas fixes, les significations des mots ne le sont pas non plus - un point soulevé par Derrida et, avant lui, par les pragmatistes américains. Le sens est façonné par des contingences de deux types : les intentions et les contextes. Dans le contexte qu’Alain et Ariane ont créé pour eux et pour tant d’autres, on pouvait toujours être certain qu’il avait l’intention, par tout ce qu’il faisait et disait, de célébrer la possibilité, la réalisation, la sensualité, en un mot, la vie. Et "Présence" était l’accolade qu’il appliquait à tout ce qui avait la vie particulièrement intense de la matière façonnée par une intention esthétique puissante. Il le faisait dans la conviction que son public, qu’il s’agisse d’amis immédiats ou de lecteurs anonymes de son essai, comprendrait le mot dans le sens généreux qu’il lui donnait. Cette croyance témoignait d’une profonde confiance dans le pouvoir de la vie de vaincre les forces de l’orthodoxie - la rigidité intellectuelle apparentée au puritanisme qu’Alain considérait comme l’ennemi de la vie. Sa confiance était soutenue par le courage que l’on retrouve à chaque étape de sa vie et, bien sûr, partout dans son art. Son œuvre n’avait pas seulement une "Présence". Il a toujours mis sa "Présence" en danger, se mettant ainsi au défi, constamment, de lui donner une nouvelle vie.

Robert C. Morgan

A la découverte d’Alain Kirili : Paroles attribuées à l’artiste

L’opportunité de lire ces déclarations commémoratives sur le brillant et persistant Alain Kirili a été à la fois un plaisir et une expérience indéniablement émouvante. Rédigés par des amis et des collègues de l’artiste, ces commentaires représentent ce que l’on pourrait considérer comme une référence culminante prise directement dans le monde professionnel de l’art.

En parcourant ces réflexions curieusement diverses, j’ai découvert une foule d’émotions exprimées de manière réfléchie, dans différents styles d’enquête. Dans plusieurs cas, ceux qui ont rencontré Kirili à un niveau professionnel ont fini par développer une amitié avec l’artiste, peut-être moins pour des raisons formelles que par des sentiments de parenté avec un sculpteur qui a dépassé le seuil de la sculpture comme entité purement statique.

Étant donné qu’il a transformé son loft en studio de travail, il y avait toujours de nouvelles œuvres à voir au cours de plusieurs visites. Mary Jones a commenté "l’insistance d’Alain à vouloir vivre dans une atmosphère créative et positive". On peut en déduire que, puisque l’artiste possédait ces qualités, pourquoi ne pas transformer son espace en ce que l’on est ?

Dans une perspective similaire, l’artiste Rebecca Smith a noté que Kirili, même à un stade avancé de sa carrière, encourageait le dessin de nu - "soutenant que c’était essentiel pour faire de la sculpture abstraite". Combien d’artistes auraient vu ce lien ? Dans le même ordre d’idées, Michael Attias se souvient de la phrase de Kirili, alors qu’il était en train de terminer l’une de ses sculptures, selon laquelle son œuvre représentait "l’assaut final contre le puritanisme". Il s’agissait en fait d’un thème récurrent dans l’œuvre de l’artiste.

En observant les musiciens qui se produisent au milieu des sculptures dans l’atelier de Kirili, Ned Rothenberg observe métaphoriquement "une multiplicité de lignes parallèles dans le processus créatif des improvisations musicales et des artistes visuels." Le critique Barry Schwabsky observe avec acuité, à une autre occasion, la présence de "sculptures linéaires en fer forgé montées sur des blocs de couleur peints sur le mur". Alors que des dessins sur de grandes feuilles de papier ont accompagné les sculptures de Kirili dans le passé, Schwabsky note dans cette installation la manière dont les formes peintes sur le mur s’unissent au fer forgé, rapprochant ainsi la sculpture de la peinture et de l’architecture.

Une autre observation intéressante est faite par le poète Vincent Katz, qui fait référence aux performances en studio, en remarquant comment "l’intelligence que [Kirili] et Ariane ont apportée à ces soirées reste inspirante des années ou des décennies après que la dernière note se soit éteinte". Katz a peut-être raison : les performances combinées à l’immobilité du matériel avaient la propension à se redéfinir mutuellement. En effet, c’est l’origine qui a permis de réunir cette série de soirées. Kirili envisageait l’intervention de musiciens, de danseurs et de poètes comme faisant partie intégrante de l’œuvre, animant ainsi davantage l’espace par rapport à la présence de la sculpture.

Pendant près de 40 ans, ma relation avec Alain Kirili a maintenu une proximité vivante, voire vitale, malgré les complexités et les conflits professionnels occasionnels susceptibles de survenir dans toute relation à long terme. Le plus important d’entre eux s’est produit peu après la publication de mon livre sur le parcours artistique de Kirili chez Flammarion à Paris. Bien que la raison de son retrait temporaire n’ait jamais été clairement expliquée, j’ai toujours eu le sentiment qu’Alain considérait notre relation comme primordiale. Je peux dire que dans les dernières étapes de l’organisation du livre, nous étions tous les deux inextricablement et interactivement liés à l’aspect artistique de ce que nous faisions. Pour Kirili, la participation à l’art à tous les niveaux constituait le lien nécessaire pour maintenir une amitié intacte. Dans ce contexte, nous sommes restés activement impliqués jusqu’à ses derniers jours.

Amanda Millet-Sorsa

Alain Kirili était un sculpteur, un artiste, un ami pour beaucoup, un mentor, un amoureux de la vie et un optimiste, qui dégageait de la chaleur tout en luttant pour la joie avec chaque pouce de son grand être, et a partagé son voyage avec la photographe, artiste et partenaire de vie, Ariane Lopez-Huici. Il croyait en l’importance de nouer des relations personnelles et familières avec une large communauté de personnes, et alors que je travaillais et participais à la vaste activité qui fleurissait dans le studio d’Alain et Ariane, rue Blanche, au cours des dernières décennies, lui et moi avons développé une amitié étroite au cours des dix dernières années, ainsi qu’une relation de mentor et de mentoré, qui, en tant que jeune artiste, a été très formatrice et essentielle pour moi. En tant que Parisiens ayant ressenti le besoin urgent de s’installer à New York il y a plus de 40 ans, ils ont fait de leur loft de White Street leur maison, un lieu libre des attentes de la société française, et au centre de la scène artistique du centre-ville de New York. Il a aimé l’Amérique pour son optimisme et a choisi avec ferveur le bonheur comme raison d’être [en français dans le texte anglais]. Il a construit sa vie en Amérique tout en gardant des liens étroits avec son pays d’origine, la France. Ensemble, Alain et Ariane ont formé un couple d’artistes dédié à une vie alimentée par la sculpture, le dessin, la photographie, le free jazz expérimental et une communauté d’artistes, de conservateurs, de collectionneurs et de philanthropes telle qu’en 2014, le Musée des Beaux-Arts de Caen, en France, a exposé pour la première fois les œuvres du couple d’artistes dans Parcours croisés. Pendant 40 ans, Alain et Ariane ont accueilli dans leur loft des concerts expérimentaux de free jazz en parallèle avec des arts visuels, de la danse, des lectures de poésie et des musiques du monde offrant un lieu de rencontre aux artistes de tous horizons. Il incarnait le terme "bon vivant" [en français dans le texte anglais] et nous a montré à tous ce que cela signifiait de vivre pleinement sa vie. Comme Alain cherchait une communion entre sa sculpture et la musique, il semblait parfois qu’il passait plus de temps avec des musiciens qu’avec des artistes visuels. Dans son atelier, Alain travaillait souvent sur des séries de sculptures accompagnées de dessins ou de collages après une période d’écoute intensive de la musique. J’ai été témoin de l’évolution constante, sur une décennie, des sculptures de table en fil de fer "Aria" (2012), puis du développement de "Iron Calligraphy" (2013-16), des reliefs muraux en fil de fer et en fer forgé et des sculptures en rond, et enfin des installations murales monumentales (2017-19) qui combinent des murs peints colorés avec des sculptures en fer forgé dans des créations musicales et minimales. Après une longue bataille de quatre ans, il est un autre disparu du cancer. Jusqu’à son tout dernier jour, il a rassemblé la force de créer une série d’œuvres à l’encre sur papier et s’est éteint paisiblement dans son studio, entouré de ses œuvres d’art et de la tendre présence d’Ariane.

L’Italie était l’une des nombreuses passions d’Alain. Alain et Ariane se rendaient en Italie comme tant d’artistes passionnés par la richesse de l’histoire culturelle et humaniste que nous avons héritée de ce pays. Connaître l’Italie est comme un rite de passage dans la maturité d’un artiste et lors d’un récent voyage à Venise, je me suis souvenu de lui et des bons moments qu’il a dû passer dans l’une des plus belles villes d’Italie. L’église Saint-Sébastien à Venise était l’une de ses préférées et, en tant que flâneur né, j’imaginais Alain errant dans les petites rues de Venise à un rythme lent et se rendant à cette église pour y passer un moment assis à admirer les peintures à l’huile et les fresques de Véronèse, du Tintoret et du Titien in situ, flanquées et encadrées par les différentes couleurs et formes géométriques de la pierre dans des motifs roses, rouges, marrons et verts à côté du marbre blanc classique. Je pouvais presque entendre son enthousiasme, comme c’est souvent le cas, alors que j’étais moi-même assis pour la première fois dans cette église, si aimée des Vénitiens et presque vide de touristes. Sur le côté gauche, il y a un loft extraordinaire, une structure tridimensionnelle contenant l’orgue de l’église, qui est conçue avec des peintures de Véronèse, à l’extérieur et à l’intérieur de la structure, montrant sa force et sa clarté à travers des blocs de couleurs vives. Ces peintures frappantes se trouvent sur les volets de la tribune de l’orgue : à l’extérieur, la Présentation de Jésus au Temple et à l’intérieur du volet, le Miracle à la piscine de Bethesda du XVIe siècle. En regardant le plafond, on peut voir deux chevaux dramatiques raccourcis dans un tondo galopant vers nous devant un drapeau rose avec les genoux forts du soldat pour Le triomphe de Mardochée, et dans un autre panneau une femme vêtue de verts profonds entourée de rose velouté et de rouges profonds pour Le bannissement de Vashti. Le plat de résistance du corps musclé de Saint Sébastien nous fait face à l’autel, il est transpercé de flèches et regarde vers le ciel une Vierge à l’Enfant. Ils sont dans la compagnie céleste et dorée des anges jouant de leurs instruments, où nous pouvons nous délecter de leurs ailes multicolores. Les prouesses de Véronèse en matière de couleurs luxuriantes et de clarté d’exécution font partie des points forts de la peinture vénitienne. Je pouvais voir pourquoi un sculpteur, qui aimait la peinture vénitienne, aimerait cette église en particulier.

Alain m’invitait souvent à me rendre dans des églises, au Stone, à la Roulette et dans d’autres espaces culturels de New York pour écouter des concerts de musique d’Arvo Pärt, Johann Sebastian Bach, William Parker, Ned Rothenberg, Joe McPhee, Roscoe Mitchell, Michaël Attias, Daniel Carter, Henry Threadgill, Ralph Samuelson, Thomas Buckner, Jordi Savall, John Zorn... Je me souviens qu’une de nos premières sorties a eu lieu dans le Bronx pour les funérailles du trompettiste Roy Campbell Jr, qui est mort tragiquement jeune. J’ai été ému de voir qu’Alain faisait partie d’une communauté très soudée de musiciens et d’interprètes, et j’ai aussi compris que les meilleurs enterrements sont ceux des musiciens, car tous les amis de Roy se sont mis à jouer de leur instrument en sa mémoire. Alain était allergique à la perfection, à la pensée formelle, et si une performance manquait de cœur et de tripes, il pouvait même sortir en trombe pour trouver le meilleur endroit pour des spaghettis al nero di seppie, un omakase, un hamburger et une bière, ou des harengs marinés. Tout gourmand qu’il était, il était clair que pour lui le meilleur restaurant de New York était la cuisine d’Ariane.

Il adorait la sculpture et parlait avec passion d’Auguste Rodin, de Pablo Picasso, d’Alberto Giacometti, de David Smith, de Jean-Baptiste Carpeaux, de la sculpture indienne Yoni-Lingam et de bien d’autres, écrivant, donnant des conférences ou exposant souvent aux côtés de ses héros artistiques. Il était également amoureux de la peinture et certains de ses tableaux préférés étaient de Vénitiens, notamment les deux versions de la Vénus à l’organiste et Cupidon (vers 1555) du Titien. Il s’émerveillait de la façon dont le joueur d’orgue regardait droit dans les yeux le monticule de Vénus fabuleusement dénudée et de son énergie transformée en musicien jouant de son orgue. Avec Alain, la conversation prenait toujours un tour érotique. La prochaine fois que je passerai par le boulevard Raspail à Paris, il me sera impossible de ne pas m’asseoir à un café et de ne pas rire en pensant à Alain contemplant le Monument à Balzac (1891-97) de Rodin, un de ses sujets de discussion omniprésents. Alain s’émerveillait de l’inventivité de Rodin en matière de sculpture et de l’audace avec laquelle il avait érigé cette sculpture publique à Balzac, un compagnon épicurien. Balzac se tient au-dessus de nous tous et réfléchit à son prochain mouvement littéraire, tandis qu’il s’affaire sous les couvertures à jouer avec les graines de la créativité. La vie d’Alain et Ariane est remplie d’érotisme, de tactilité, de virilité, de verticalité et d’extase, qui se manifestent également dans sa pratique quotidienne, tout comme il admirait ses collègues artistes qui entreprenaient de se dépasser au nom de l’impureté et de l’urgence dans leur vie et leur travail. Son héritage et son esprit perdureront.

Barry Schwabsky

J’ai dû rencontrer Alain à peu près au moment où j’ai commencé à publier Arts Magazine en 1988, et j’ai appris à le connaître en tant qu’écrivain en même temps que j’ai découvert son travail multiforme de sculpteur. Ses contributions au magazine étaient dignes d’intérêt :

Parmi elles, ses entretiens avec Louise Bourgeois et Philippe Sollers, ainsi que plusieurs articles qui, pour une raison ou une autre, ne figurent pas tous dans la bibliographie de son site web - ai-je tort de me souvenir d’un merveilleux essai sur Medardo Rosso ? Quoi qu’il en soit, tous ses écrits sont animés par ce qu’il appelle, en titrant son interview au Bourgeois, "la passion de la sculpture". Mais il y a toutes sortes de passions, et ce qui m’a frappé, c’est que la passion artistique d’Alain était toujours impliquée dans l’expression verbale aussi bien que matérielle ; sa conviction implicite était que l’artiste est aussi un intellectuel. D’autres leçons d’Alain me sont apparues plus lentement. L’une d’elles était de ne jamais oublier que l’art est par essence une entreprise conviviale, quelque chose qui est fait pour être partagé. Son atelier n’était pas seulement un lieu pour faire de l’art et le montrer, mais aussi pour se réunir en sa présence pour le plaisir de la vie. Sa passion pour la sculpture allait de pair avec sa passion pour la musique, et en particulier pour le free jazz. Dans le loft qu’il partageait avec sa partenaire dévouée, Ariane, il accueillait des performances de musiciens renommés ou obscurs, mais toujours brillants et stimulants. Ces événements réunissaient deux mondes différents, presque séparés. Les amateurs d’art qui y assistaient étaient peut-être beaucoup moins versés dans la musique qu’Alain, mais ils écoutaient (et regardaient) attentivement, apprenaient et appréciaient. Les horizons se sont élargis. J’aime à penser que les musiciens ont eux aussi bénéficié de la présentation de leur travail à un public différent de celui d’habitude. L’idée était toujours d’ouvrir les choses, d’être expansif et non exclusif. Cette générosité d’esprit a bien servi Alain pendant les années de mauvaise santé qui ont précédé sa mort. La dernière fois que je suis allé le voir, quelque temps avant le COVID-19, a tout changé : j’ai été stupéfait de voir qu’il réalisait certaines de ses œuvres les plus belles, les plus concises et les plus puissantes - des sculptures linéaires en fer forgé montées sur des blocs de couleur peints sur le mur - malgré sa douleur et sa faiblesse. Je n’ai pas pu m’empêcher de penser à Matisse et à ses derniers papiers découpés : la conquête de la vision sur les circonstances physiques. Ces œuvres parlaient de force au milieu de la fragilité et de joie malgré la contrainte. Il a partagé généreusement jusqu’à la fin et son art continuera d’attiser la passion pour la sculpture - et pour la vie.

David Cohen

Il y a tant de choses que je pourrais dire sur mon cher ami Alain Kirili. Lui et son incroyable et incomparable partenaire Ariane Lopez-Huici ont été une force importante dans ma vie pendant la majeure partie de trois décennies, presque des parents de substitution, les miens étant à des milliers de kilomètres. Ils étaient bien trop amusants pour que l’on puisse parler de parentalité […]. Alain était une personnalité à part entière, à bien des égards. Il y avait tant de nourriture et de musique, tant de présentations, d’idées et toujours de la curiosité.

Alain vivait en grand : grégaire, épicurien, susceptible, difficile, jovial, complexe, érudit et stupide ; généreux et avide dans la même mesure ; aussi vorace intellectuellement et culturellement qu’il l’était dans les plaisirs de la table ; snob mais n’excluant jamais personne injustement ; se rapprochant des travailleurs qui pourraient autrement, en effet, se sentir négligés ; juif et laïc ; il était un personnage de la multidimensionnalité proustienne. La façon dont il a affronté la maladie au cours de ses dernières années, avec une soif de vivre face à la mort, en s’assurant de remplir chaque moment de plaisir et de sens, restera une pierre de touche morale pour tous ceux qui en ont été témoins. Même lorsque sa personnalité pleine et ouverte était la plus éprouvée, il était totalement adorable et avait un impact sur un éventail extraordinaire de personnes d’âges et d’activités différents. Il vivait et respirait les arts, et la plupart des personnes qu’il rassemblait autour de lui étaient des artistes visuels, des musiciens et des intellectuels. Mais il pouvait s’agir aussi bien d’étudiants et d’artistes malchanceux que de personnalités influentes et prestigieuses, tous appréciés en tant qu’individus et se côtoyant dans ce salon unique des temps modernes qu’est devenu le loft Kirili, dans le centre de Manhattan, lors de soirées légendaires d’improvisation libre et d’autres formes de jazz, de musique du monde ou de parole.

Si j’étais plus prudent, je collerais ici quelques aperçus et anecdotes sur le plaisir et l’amitié qu’Alain a apportés dans ma vie. Il y a tellement de choses à raconter - sa personnalité non-conformiste est un cadeau pour tout écrivain. Reconnaître ses abondantes largesses est une raison suffisante pour me récuser d’une opinion professionnelle sur sa valeur artistique. Je ne doute pas que cet hommage du Brooklyn Rail regorgera de témoignages sur sa chaleur, ses sollicitudes, sa capacité à mettre en relation des artistes en France et aux Etats-Unis, ses connaissances approfondies de l’histoire de l’art, son rôle central dans l’introduction de la musique et de la danse auprès du public du monde de l’art, son rôle de mentor auprès de jeunes artistes, et ainsi de suite. Tout le monde reconnaîtra, j’en suis sûr, que son engagement primordial pour la sculpture a lié tout le reste. Mais le produit réel de ce travail a vraiment besoin d’une nouvelle attention, et que je sois damné si je résiste à cette occasion de l’offrir. Il se pourrait même, en fait, que sa capacité d’amitié, son activité sur de nombreux fronts culturels aient froissé certaines personnes, aient détourné l’attention de la force, de la richesse, de la résonance et de l’accomplissement de ses réalisations concrètes dans l’atelier, la forge et le fourneau.

Kirili n’a pas suivi de formation dans une académie d’art, mais a étudié en privé avec un maître coréen de la calligraphie, a appris sur le tas avec des artisans qui l’ont aidé à produire des œuvres et, selon ses propres dires, a obtenu son MFA en discutant avec des amis du centre-ville dans le milieu artistique des années 1970. Selon lui, discuter avec des gens comme Dorothea Rockburne au coin d’une rue de SoHo valait mieux que de s’inscrire à Yale. Et pour ce qui est de la théorie critique, il avait été ami à Paris avec les gens de Tel Quel, comptant Julia Kristeva et Roland Barthes comme mentors et soutiens. Encore une fois : l’université de la vie. La signification de tout cela pour son travail est qu’il est né en tant qu’artiste et créateur. Son champ d’action - relativement libre des modes dominantes - était global, profondément historique, et aussi proche du jazz que de l’art. Sa pensée était intrinsèquement abstraite et ses notions de forme étaient littéralement pratiques.

En 2004, j’ai organisé une exposition de sculptures de Kirili à la New York Studio School. Plutôt que de me concentrer sur une période ou un genre ou sur ses derniers efforts au sein d’un éventail déjà très large de réalisations, j’ai décidé, dans l’espace limité dont je disposais, de fournir un aperçu chronologique en remontant jusqu’à une œuvre de jeunesse datant de l’époque où il a commencé à partager son année entre Paris et New York. Il s’agissait d’une pièce similaire, portant le même titre, à celle que possède le Museum of Modern Art : India Curve (1978). Dans sa retenue post-minimale - un fil d’acier suspendu au mur se frayant un chemin jusqu’à un bloc de terre cuite posé au sol - elle était un ancêtre quelque peu distant et intellectuel des formes et des élaborations plus ouvertement exubérantes et fulgurantes qui allaient suivre, avec leur présence matérielle insistante, leur couleur riche et leur échelle parfois monumentale. Mais pas si distant, en fait. Ce qui lie toutes les formes et tous les styles dans le tour d’horizon éclectique d’une carrière de trente ans exposé à la Studio School, une évolution racontée en dix œuvres seulement, c’est l’importance primordiale du geste. Qu’elle soit légère ou gigantesque, purement linéaire ou exigeant d’être vue "en rond", et qu’il s’agisse d’une pièce unique, d’une installation ou d’un ensemble de pièces, une sculpture de Kirili a une singularité frappante définie par le geste. Le temps et l’intention sont figés dans leur forme. La main à l’origine, l’impulsion, le sentiment derrière la forme, le sentiment dans et à travers la forme, tout cela constitue une présence vitale. Il était un "expressionniste" au sens pur, d’une manière qui aurait eu un sens pour Matisse, et non dans un sens vulgaire d’imposition de la souffrance de l’artiste ou d’une âme trop examinée. Au contraire, il exprimait des expériences supérieures, collectives, à l’écart de l’individualisme quotidien. La sensibilité de l’artiste était aussi aiguisée que ses produits.

L’abstrait pouvait certainement signifier le linguistique : sa série des "Commandements", comme l’exemple de 1980 dans mon exposition, prêtée par le Musée juif et occupant la moitié arrière de la galerie, était un champ de 17 éléments, chacun d’environ 15 pouces de haut, en fer forgé qui a l’aura d’une sorte de cercle de pierre préhistorique, tout en rappelant un alphabet dans les formes singulières, mais schématiques et cohérentes, complémentaires de chaque pictogramme. Une œuvre similaire est exposée en permanence à l’extérieur de l’Orangerie, dans le jardin des Tuileries, à Paris, où Kiriili avait été le célèbre commissaire d’expositions extérieures de sculptures américaines modernes et contemporaines.

Je dois raconter une histoire sur l’installation de l’exposition, qui en dit long sur Kirili à bien des égards. Le personnel de l’immeuble s’était déjà plaint du poids et de la lourdeur d’une pièce, et trois d’entre eux, portant des ceintures de protection, ont dû la manœuvrer pour la mettre en place dans la disposition initiale de l’exposition. Il s’agissait d’une dalle verticale bifurquée en fer massif, Summation (1981). Alain m’avait laissé l’installer seul, puis était venu donner son accord ou corriger si nécessaire. (Le plan de table pour les invités au dîner a fait l’objet de plus d’agitation et d’attention). Une seule œuvre devait être déplacée, avait décidé Alain, et bien sûr, c’était la Summation. Oh là là, je vais devoir convoquer le concierge. Pas du tout, dit Alain, qui saisit son totem de métal et, en trois ou quatre mouvements de sumo provocants, traverse la galerie avec lui, trouvant sa position optimale. La physicalité de son œuvre, "l’incarnation", comme il aimait à l’appeler, de ses formes abstraites, était un véritable prolongement de sa propre personnalité, compacte, pleine, qui embrasse la vie. Il était d’autant plus tragique pour lui et ses proches de voir son corps si diminué, si ravagé par le cancer, les maladies cardiaques et l’anémie au cours de ses dernières années. Mais sa résistance à la mort, qui a étonné ses médecins, était le fruit de la vitalité dont il faisait preuve dans des moments plus heureux.

Dans mon exposition, j’ai donné un certain parti pris à mon idiome préféré d’Alain, les dalles de terre cuite trapues percées par des outils à la main et laissées là comme éléments de la sculpture finie. Parfois, il s’agit simplement d’une argile d’une seule couleur insérée dans un cube de couleur contrastante et cuite. Une vaste série de ces pièces en terre cuite, où le geste définit plus ouvertement que jamais la forme, a été intitulée "Ivresse", évocation de la sensation exaltée, mais trop corporelle, qui personnifie non seulement sa sculpture mais aussi sa philosophie esthétique.

Les œuvres de cette série avaient été exposées dans la première exposition de l’artiste que j’ai vue, organisée par mon ami d’université William Jeffett au Sainsbury Center à East Anglia, en Angleterre, en 1994. J’avais en fait été présenté aux Kirilis par un autre camarade de classe de Courtauld, Kenneth Wayne et sa femme la musicologue Olivia Mattis, à Paris l’année précédente, et c’est ma proposition d’organiser une soirée dans mon appartement londonien avec des amis sculpteurs qui a initié les "années banquet" de notre amitié ultérieure. Lorsque j’ai séjourné dans le studio d’Alain un été chaud en 2017, il avait laissé des exemples de cette série sur des stands dans ce qui était probablement un accueil curatif. Les blocs solides de la série "Ivresse", quant à eux, ont trouvé leur expression ultime dans les magnifiques monuments qu’il a créés pour le mouvement de résistance français de la Seconde Guerre mondiale, dont un à Grenoble spécifiquement dédié aux femmes de la résistance.

Dans la période qui a suivi son exposition à la Studio School, de nombreuses veines nouvelles et riches d’exploration sculpturale se sont ouvertes. Nous voyons sa sensibilité osciller entre le mur et le sol, la forme ouverte et fermée, l’expression linéaire et volumétrique, la couleur vive et l’absence de couleur. Et pourtant, tout est lié par la primauté inimitable et protéiforme du geste.

L’Afrique et les arts de la diaspora africaine sont au cœur de son esthétique, mais d’une manière qui évite miraculeusement le colonialisme, malgré le fait qu’Alain plonge sans crainte là où ses tripes le mènent (ou son oreille : son investissement à vie dans le jazz lui est venu en entendant Sidney Bechet jouer dans la cuisine de ses parents, tard un soir, après la fermeture de tous les restaurants, et ses parents ont ramené le musicien affamé à la maison). Sarah Lewis, alors stagiaire auprès de Robert Storr qui l’a recommandée pour le projet et qui est aujourd’hui, bien sûr, la voix principale du projet Vision Justice à Harvard où elle enseigne, a contribué au catalogue de la Studio School par un essai habile qui approfondit le rapport de Kirili avec l’Afrique, un sujet que Maria Mitchell a également exploré dans des panneaux d’hommage à Alain au Rail et à artcritical. Plutôt que d’imiter ou de s’approprier l’aspect ou la sensation des artefacts africains - bien qu’en tant qu’étudiant et collectionneur d’art africain, les formes ont inévitablement imprégné sa pensée visuelle, avec tous les autres stimuli du programme incessant de stimulation qu’était sa vie - Alain s’est engagé directement dans la forge africaine, faisant de la sculpture avec des maîtres reconnus au Mali dans un va-et-vient d’artistes qui font leur travail. Segou (2004), un ensemble de trois motifs verticaux, spectaculairement niché près de l’escalier circulaire dans le hall d’entrée de la Studio School (anciennement Whitney Museum), est imprégné des fruits de ses collaborations maliennes. Quinze ans plus tard, Kirili intitule sa première exposition à la galerie Susan Inglett "Who’s Afraid of Verticality" (imitant ainsi Barnett Newman, qu’il vénérait), et lors d’une cérémonie dans son loft de Tribeca, il est décoré, dans son avant-dernière année, du plus haut grade de l’Ordre des arts et des lettres de la République française, Kirili parlait de la verticalité d’une manière qui l’insinuait en quelque sorte en compagnie d’abstractions telles que la liberté, l’égalité et la fraternité, mêlant esthétique et civisme d’une manière unique et provocante à la Alain Kirili.

Joachim Pissarro

Je me souviens de chaque visite d’atelier que j’ai faite avec Alain. Chacune était comme un poème individuel. Ces visites riches et sensuelles comprenaient un dialogue entre l’homme, l’artiste et les œuvres, une expérience qui transcendait la plupart des autres. Il y avait quelque chose de théâtral dans la présence de ces figures abstraites complexes, étranges et quasi-magiques qui suintaient de la vie. Et puis il y avait Alain lui-même : l’orchestrateur, le metteur en scène de ces visites. Et la voix chaleureuse d’Alain, son inébranlable accent français, donnaient le ton de cette chorégraphie entre les sculptures. Il avait un attachement quasi mythique à l’art médiéval qu’il a ressuscité, réinventé, ravivé de façon si originale et provocante. Il a maîtrisé l’art du fer forgé, et c’est le seul artiste à ma connaissance qui l’ait fait. L’idée qu’il aille chez le forgeron pour forger ces pièces est incroyable. De cette technique folle est né quelque chose d’unique.

Il y avait un lien entre sa vie et son œuvre, un message partagé au plus profond du cœur des deux. Il disait souvent que la société actuelle, surtout en Amérique, manquait cruellement de sensualité. Il était un pilier de la vie, une force, un paratonnerre dans le monde de l’art contemporain - surtout à New York - avec des œuvres représentées dans de nombreux grands musées. Malgré cela, il se sentait isolé et marginalisé parce que le minimalisme était si rigide et incapable d’embrasser la chaleur. Alain a fait écho à ce message à chacune de ses visites et je chéris ses paroles.

Une fois, j’ai amené mon séminaire de troisième cycle de Hunter au studio d’Alain, et les étudiants présents me remercient encore des années plus tard pour cette visite divine. Il a commencé à leur parler du monde de l’art new-yorkais dans les années 70 et 80 avant de passer à la musique - il a réussi à couvrir chaque aspect de la vie et chaque dimension du monde de l’art, dans sa totalité, avec passion. De nombreuses personnes sont retournées lui rendre visite séparément. Ils sont devenus amis avec lui. Alain Kirili était un être humain extraordinaire, et humain.

Mary Jones

EN SOUVENIR D’ALAIN KIRILI


Mary Jones et Alain Kirili, High Noon Gallery, 7 Février 2019.

Je me souviens d’un déjeuner dans un jardin avec Alain et Ariane au cours de l’été 2020. Nous avons parlé d’art et de littérature, de James Joyce, du séjour d’Alain au Mali, de forge et de musique. Ce sont les choses qui comptent le plus pour lui. Alain avait bonne mine, même si, à ce stade, il lui était difficile de marcher de la rue au jardin. Il était en phase terminale, à moins que quelque chose de remarquable ne se produise.

Notre déjeuner s’est terminé par une glace à la vanille. C’était son parfum préféré (et le mien) et, selon Alain, un véritable test de qualité. Je ne sais pas pourquoi, mais j’ai été surpris - peut-être qu’à ce moment-là, cela m’a semblé simple et américain d’une certaine manière - et j’ai réalisé que je pensais qu’Alain était fondamentalement français dans ses appétits.

J’ai rencontré Alain pour la première fois au début des années 90, en faisant la critique d’une de ses expositions pour le magazine Tema Celeste, aujourd’hui disparu. Il était si gracieux à ce sujet, si reconnaissant, et bien que nous ne soyons devenus des amis proches que plus tard, lorsque je croisais Ariane et Alain lors d’expositions, ils étaient toujours enthousiastes et amicaux. À l’époque où ils exposaient avec Hionas, notre cercle s’est resserré et je suis devenue beaucoup plus proche d’eux, et je leur en suis très reconnaissante. C’était inspirant d’observer comment ils appréciaient et soignaient leurs relations, comment ils étaient ouverts et acceptants.

La détermination insistante d’Alain à vivre dans une atmosphère créative et positive - il l’a parfois affirmé avec philosophie - a eu d’énormes effets bénéfiques pour lui et tous ceux qui l’entouraient. C’était un choix. C’était particulièrement évident lors des soirées de jazz que lui et Ariane organisaient dans leur loft, des soirées qui étaient tout simplement fabuleuses. J’y allais chaque fois que je le pouvais et j’entendais de la musique incroyable jouée par toutes sortes de musiciens de jazz, indiens et de nouveaux genres. Il semblait incroyable que ces gens viennent à Tribeca et se produisent pour un petit groupe d’artistes, que lui et Ariane puissent organiser un tel exploit, et étonnant qu’ils connaissent tous ces artistes remarquables, et pourtant c’était complètement organique pour eux. C’était comme une sorte de retour en arrière bienvenu à l’apogée du monde artistique avant-gardiste de SoHo des décennies passées. Ariane et Alain s’investissaient personnellement pour maintenir ce rhinocéros blanc en vie et il suffisait d’y aller. En général, le loft présentait une nouvelle installation de leurs œuvres, ce qui était un excellent moyen de les rencontrer et de comprendre la dimension sociale des idées qui les motivaient. Je me rends compte que je parle d’Ariane autant que d’Alain, mais leur remarquable mariage, ancien à tous points de vue et agréable à côtoyer, s’est épanoui tout au long de leurs vies entrelacées et productives. Ils étaient inséparables. Récemment devenus citoyens américains, ils ont même réussi à être positifs à propos de l’Amérique.

Alain attribuait fréquemment l’impact de Barnett Newman et du jazz comme raison de quitter la France d’après-guerre pour NYC. Si cette époque semble parfois appartenir irrémédiablement au passé, j’ai été surpris et encouragé d’entendre le jeune critique sud-africain Sinazo Chiya (né en 1993) citer, dans une conférence en ligne, Onement VI de Barnett Newman comme tableau préféré, pour des raisons très proches de celles qui ont été formatrices pour Alain : "Les idées qui existaient à l’époque et qui résonnent sur plusieurs continents, plusieurs décennies plus tard, montrent simplement que lorsque nous sommes disposés à voir des œuvres, que nous regardons vraiment les choses, pas seulement avec les yeux mais avec les sens, que nous sommes disposés à être engagés d’un point de vue sensoriel par les idées elles-mêmes, il s’agit moins de nos limites et de la puissance à rencontrer en tant qu’êtres humains."

J’ai interviewé Alain pour artcritical en 2018 et à ce moment-là, il était assez malade. Dans son loft, il était entouré de nouvelles œuvres, qui évoluaient en fonction de sa situation physique limitée. Il détestait absolument être affaibli physiquement. Nous avons parlé de Matisse, un mentor pour le travail de fin de vie, pour la couleur, la légèreté, et une élévation au-delà de la douleur et de l’ennui de la maladie terminale. Les séries colorées d’Alain sur papier démentaient tout sentiment de souffrance, exactement comme il l’avait voulu. J’aurais aimé l’interroger davantage sur sa personnalité, sur le fait que le nom de Kirili était un pseudonyme, une déclaration précoce de son identité artistique - les aventures de ses nombreux voyages (il n’aurait pas pu travailler tout le temps !). Pendant la quarantaine, nous avons discuté de toutes les grandes séries françaises diffusées à la télévision, il aimait particulièrement L’Inde fantôme de Louis Malle. Comme Malle, il avait également passé du temps en Inde dans les années 1970.

Ainsi, lorsqu’en mai dernier, j’ai planifié une visite chez Alain, j’ai emporté la glace artisanale à la vanille qu’il aimait. Arrivée à 9 heures du matin, je n’avais pas regardé les médias sociaux la veille. Ariane, ne montrant aucune surprise, m’a gracieusement laissé entrer. J’ai vu un lit d’hôpital vide contre le mur et j’ai constaté qu’Alain n’était pas là. Dans un déni total, j’ai supposé qu’une aide-soignante l’avait emmené se promener. Puis j’ai compris. Le loft était rempli de ses œuvres, la table de la salle à manger était recouverte d’une nappe, joliment éclaboussée de couleurs. C’était comme s’il venait de sortir, et en fait il était occupé à travailler le jour de sa mort. Ariane m’a dit qu’il y avait eu beaucoup de rires ce jour-là, aussi. Ariane a fait du café et nous sommes restées assises ensemble pendant environ une heure. Puis le téléphone a commencé à sonner. La France appelait.

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Michaël Attias


Michaël Attias lors du vernissage de « In the Round » d’Alain Kirili,
Galerie Hionas, Lower East Side. Photo : Alain Kirili.

Je voulais dire qu’il était un pont, mais un pont ne bouge pas, et lui, comme ses sculptures, était toujours en mouvement. Un contrebandier peut-être ? Mais Alain n’avait rien de clandestin, il travaillait au vu et au su de tous, pas de meilleur endroit pour cacher l’intensité d’une joie qui vous fait disparaître aux yeux de ceux qui ne répondent qu’au kitsch de la misère et de la honte. "Encore un coup des puritains !" Les connexions qu’il établissait entre les mondes étaient des révélations de la pensée, rapides et évidentes comme l’éclair. Il avait un instinct spinoziste pour tout ce qui était bon. Nous partagions un amour pour les dessins érotiques de Rodin, John Coltrane, Soutine, de Kooning, Barthes, Miles Davis, Steve Lacy, Cecil Taylor, Fragonard, Bernini.

Les zigzags gracieux de son énergie et de ses attentions, la pureté calligraphique de ses affirmations dans tous les médiums - mot, terre cuite, fer, encre et une douzaine d’autres - dessinent des pointillés incandescents entre (une liste non exhaustive suit) :

Europe Amérique Mali, Sculpture et Jazz (titre d’un de ses livres), musique et littérature, kitsch et fascisme, improvisation et énergie sexuelle, Mingus et Barnett Newman, sculpture et tout le reste : langue, judaïsme, son, rythme, collage, dessin, peinture etc....

Il accueillait et donnait une précieuse hospitalité aux zigzags et aux enthousiasmes des autres. Sa générosité était immense, globale et d’une élégance sans faille, jamais familière ou dévalorisante.

J’ai été enthousiasmé par l’enthousiasme qu’il a manifesté lorsque je lui ai écrit qu’en regardant des paysages de Soutine dans un musée de Haïfa, j’avais entendu le son de Coltrane jaillir de la toile, la fracture de sa verticalité monumentale à l’endroit où le corps et l’esprit-viande "libèrent le cri", Soutine montant au milieu des Dogons. Il m’a répondu (je traduis du français) : " Priapus debout et fier : touchez-le, chantez-le, gémissez ". Soutine et Coltrane sont impliqués dans la transsubstantiation : la matière devient chair, la verticalité est présence, la présence n’est pas anthropomorphique ou architectonique, elle est chair.

Vie [sic] Heroicus Sublimis
Pithecanthropus Erectus, merci Mingus. (17 juillet 2019)
Il venait de terminer l’installation de sa dernière exposition, intitulée "Qui a peur de la verticalité ?". Dans la même lettre, il la qualifiait d’" assaut final contre le puritanisme, contre tout puritanisme. "

Souvenirs préférés parmi tant d’autres :


Michaël Attias, Quartet Nerve Dance, 2017. Couverture réalisée par Alain Kirili..

Visiter avec lui l’exposition de Kooning au MOMA, la vivre à travers ses yeux et son physique. Jouer à ses vernissages, la première fois de manière impromptue, c’était à la galerie Hionas : J’étais en route pour un concert, il a vu que j’avais mon cor et m’a demandé si je voulais bien baptiser (son mot) la nouvelle pièce - pour lui, une sculpture n’était pas complète tant qu’elle n’avait pas suscité une réponse musicale - l’expérience a été pour moi électrisante, c’était comme si la sculpture jouait avec moi. Le cadeau qu’il m’a fait du dessin qui se trouve sur la couverture de mon album Nerve Dance, l’original est royalement accroché au mur au-dessus de mon piano. Le plaisir qu’il prenait et partageait dans les repas, les boissons, les conversations, les vêtements. La juste colère contre toute falsification de l’histoire et toute forme de fascisme.
Deux autres souvenirs : l’arrivée au loft où Ariane et lui partageaient leur vie d’amour et de travail peu après qu’il eut reçu le diagnostic d’altération du sang et la vue d’un mur entier peint d’un rouge magnifique. Les magnifiques papiers-collés de la fin, la ligne noire qui traversait le bord d’un papier de couleur à l’autre, un saut périlleux et courageux, je lui ai dit et il a souri...

Ned Rothenberg


Photo de Concert sans public : Ned Rothenberg, Alain Kirili et Ariane Lopez-Huici, 2021.
Avec l’aimable autorisation de Roulette Intermedium

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Alain Kirili était un homme qui avait un appétit passionné pour l’extraordinaire (ajoutez ici un charmant accent français), qu’il se trouve chez lui à Paris ou à New York ou au loin dans un endroit comme Bamako. Il était un grand fan de musique créative et voyait une multiplicité de lignes parallèles dans les processus créatifs des improvisateurs musicaux et des artistes visuels. Il utilisait l’expression "free jazz" avec enthousiasme, un terme beaucoup moins chargé culturellement pour les Européens que pour les Américains comme moi ; pour lui, il soulignait la liberté d’expérimenter et de travailler en dehors des normes acceptées.

Alain et moi avons cherché à savoir quand nous nous sommes rencontrés. Je pense que c’était dans les années 80, lorsque je jouais souvent au Musée alternatif, qui était situé au rez-de-chaussée de l’immeuble d’Ariane et Alain. Quel que soit le point de départ, notre relation s’est considérablement renforcée au cours des cinq dernières années de sa vie et j’ai été très heureux de pouvoir collaborer avec lui sur ce qui, d’une certaine manière, a été sa dernière performance, où il a réalisé de magnifiques peintures au pinceau tandis que je jouais dans son loft, entouré de ses sculptures. Le tout a été capturé par une merveilleuse équipe de production de Roulette et est disponible ici. La production rappelle également plusieurs des merveilleuses soirées musicales qu’Ariane et Alain ont organisées dans ce lieu avec un public de collègues artistes. Si souvent, les diverses disciplines artistiques ont été éloignées les unes des autres par les réalités économiques différentes des mondes de la musique, de la performance et des arts visuels. Alain était un excellent porte-parole de l’idée que toutes ces choses sont l’expression d’une entreprise esthétique commune et n’ont pas besoin d’être séparées. Les performances dans son loft ont toujours eu un public merveilleusement mélangé de peintres, sculpteurs, critiques, poètes, chorégraphes et, bien sûr, de musiciens. On avait vraiment l’impression d’un espace magique de création. J’ai le sentiment qu’Alain souhaitait avant tout créer un terrain fertile, à la fois pour sa propre inspiration créatrice et pour susciter un large sentiment de communauté avec ses collègues artistes.

Rebecca Smith


"All my lyfe is here" Message d’Alain Kirili sur sa page FaceBook du 5 décembre 2019
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J’ai rencontré Alain pour la première fois grâce à son intérêt pour l’art de mon père, David Smith. Au fil des années, nous sommes devenus amis et avons eu de nombreuses conversations sur la sculpture, la musique, l’état de l’art dans le monde et notre travail en tant qu’artistes. Il était un excellent compagnon, que ce soit dans l’atelier, dans un musée ou une galerie d’art, autour de n’importe quel plan d’eau dans lequel on pouvait nager, à une table, dans le voisinage, parmi des amis et même des inconnus. Un matin d’été, en visitant le marché fermier de notre quartier, il a acheté des coquilles Saint-Jacques crues et les a mangées sur place, en savourant chaque bouchée.

Je me souviens très bien d’une visite que j’ai faite chez Alain et Ariane à Paris en 2000. Alain avait commencé la journée en interviewant une femme qui avait marché pendant des jours dans la jungle africaine pour interroger des pygmées sur leur musique, ce qui devait être utilisé plus tard dans un article qu’il écrivait. Puis il m’a emmené dans un quartier africain parce que je voulais acheter du tissu. Lorsque je suis sorti d’une boutique, il était en pleine conversation avec un homme dont l’instrument de musique attaché à son dos était la cause d’une nouvelle rencontre. Alain et moi sommes rentrés à la maison pour préparer une fête chez les Kirilis où je devais rencontrer le fils d’un artiste historique portant des vêtements aux couleurs de l’ocre et du rouge de cadmium souvent utilisés dans les tableaux de cet artiste. Ses amis témoigneront tous de l’énergie et des projets très variés d’Alain !

Alain a trouvé dans l’œuvre de mon père des qualités qu’il appréciait : la verticalité, l’érotisme et le plaisir. Protestant contre le parti pris formaliste dont l’œuvre de mon père avait fait l’objet, Alain, dans son essai "David Smith : Le culte du nu solaire", publié dans Sculpture Magazine, Alain souligne "l’hétérogénéité réelle de l’œuvre de Smith". Il écrit que "Smith ne succombe pas aux effets obsessionnels d’une œuvre linéaire, compacte et répétitive" et qu’il réalise "des peintures, des dessins et des sculptures qui peuvent être appréhendés dans leur idiosyncrasie et leur diversité". Alain a décrit la pratique de mon père consistant à dessiner des nus à la même époque où il réalisait la série monumentale et abstraite des "Cubi". Je me souviens qu’Alain parlait de sa propre expérience du dessin de nu et affirmait qu’elle était essentielle à la réalisation de ses sculptures abstraites. Il parlait aussi souvent de l’importance de la musique, du dessin et de l’art d’autres cultures pour sa sculpture. Grâce à ses nombreux voyages, Alain avait une connaissance vaste et directe des arts de l’Inde, de l’Afrique et de l’Asie du Sud-Est.

L’exposition d’Alain Kirili dialogue avec Carpeaux au Musée des Beaux-Arts de Valenciennes a été un moment magique pour moi. Mon mari de l’époque, Peter Stevens, et moi-même avons fait le voyage de Paris avec Alain, Ariane, leur chien Max, dont le billet de train portait la mention CHIEN, et un groupe d’amis pour nous rendre au musée, qui est l’un des principaux dépositaires de l’œuvre du grand sculpteur Jean-Baptiste Carpeaux (1827-75), dont le style libre, expressif et naturaliste a défié le style classique alors en vogue. Outre les sculptures en bronze et en marbre, on trouve de nombreuses œuvres en argile et en plâtre créées uniquement par les mains du sculpteur. Elles sont immédiates, libres, expressives, naturelles, désinvoltes. Les œuvres en argile de Kirili, déployées dans les terres cuites et les plâtres de Carpeaux, ont dynamisé la collection de Carpeaux. C’était la première fois que je voyais des œuvres contemporaines installées comme des "interventions" en dialogue direct avec les œuvres d’un artiste historique. Le temps était vaincu ; l’émotion, la vitalité et l’impulsion d’improvisation partagées étaient vivantes pour le spectateur et la distance entre le Carpeaux du XIXe siècle et le spectateur s’est évaporée. Cela m’a fait prendre conscience de la communication constante avec l’art à travers le temps et les différences culturelles qui constituaient le monde expansif et expressif dans lequel vivait Alain.

L’art est un voyage dans le temps. Il n’y a pas de barrières entre l’art à travers les cultures, le temps et la distance. Ce qui ne veut pas dire que vous comprenez complètement le monde dans lequel vivait un artiste d’un autre lieu et d’une autre époque, ou sa façon de penser. Pourtant, à travers l’objet tel que vous le percevez ici et maintenant, vous "comprenez" quelque chose de cette époque. Il y a eu plusieurs artistes dans ma famille : mon père, une actrice célèbre et même une chanteuse d’opéra. Il y a des artistes qui sont devenus ma famille de prédilection. Alain sera toujours l’un d’entre eux.

Robert Storr En mémoire d’A.K.

Ce qui m’a toujours impressionné le plus chez Alain, c’est sa vigueur. Elle transparaissait dans tout ce qu’il faisait. La ferveur de son discours, la profondeur et l’étendue de son enthousiasme pour les gens et les choses dont il s’entourait : en particulier le jazz qui n’est ni plus ni moins qu’un entrelacs de courants contrapuntiques d’électricité humaine ; le travail d’autres artistes - comme David Smith et Hans Hartung - qu’il admirait et avec lesquels il "collaborait" dans des juxtapositions rituelles de son travail et du leur ; les amis à Paris et à New York qu’il réunissait et présentait les uns aux autres afin de favoriser une synergie entre eux. En effet, Alain et Ariane ont organisé l’un des rares véritables et durables "salons" de Manhattan. C’était un privilège d’être invité et un plaisir d’y assister.

Mais par-dessus tout, cette vigueur était présente dans son propre travail. Ses dessins sont des éclats d’invention graphique ; les meilleures de ses sculptures, qu’il s’agisse d’objets individuels ou de parties d’ensembles, sont des concentrations d’énergie d’une vivacité unique. Le miracle de l’art, c’est qu’une fois cristallisée par un artiste véritablement engagé dans sa vocation et son métier, cette énergie est apparemment inépuisable et continue de jaillir périodiquement.

Alain était un tel artiste.


Entretien avec le critique Robert Storr à l’atelier de New York, 2008
Documentaire "Sculpteur de tous les éléments" par Sandra Paugam, Bix Films-VISTE (extrait)

Vincent Katz


Lecture de poésie par Vincent Katz, avec une sculpture d’Alain Kirili, le 21 mai 2009.
Photo : Ariane Lopez-Huici.

Alain avait l’un des esprits les plus généreux de tous ceux que j’ai connus. Cela s’exprimait dans son art, dans les dîners que lui et Ariane Lopez-Huici organisaient dans leur loft de Tribeca et dans les événements multimédias qui s’y déroulaient. Je crois depuis longtemps au mélange des arts, tant qu’il est fait avec discernement et une bonne dose d’improvisation. Les arts ont prospéré dans leur loft. J’ai notamment été impressionné par les soirées qui mettaient en lumière les croisements entre les arts visuels et la musique, en particulier le jazz.

Alain était un connaisseur de beaucoup de choses, et l’intelligence que lui et Ariane apportaient à ces soirées reste inspirante, des années ou des décennies après que la dernière note se soit éteinte et que l’art se soit déplacé vers d’autres demeures. En particulier, la façon dont ils présentaient l’art, il ne semblait jamais s’agir d’abstraction. Les juxtapositions soignées, l’amour et la délicatesse partagés lors de ces soirées n’opposaient pas les choses les unes aux autres, mais nous rassemblaient tous. Quand je pense à la sculpture d’Alain aujourd’hui, à ses lignes sinueuses et à ses formes peintes de manière provocante, je ne les vois pas comme abstraites, mais plutôt comme des formes de vie, de la même manière qu’un solo de saxophone soprano de John Coltrane peut l’être.

Crédit :
The Brooklyn Rail
Perspectives critiques sur l’art, la politique et la culture

https://brooklynrail.org/2021/11/in-memoriam/A-Tribute-to-Alain-Kirlii


II – Notre rencontre avec Alain Kirili

Installé à New York, l’artiste franco-américain conservait un atelier à Paris – un pied-à-terre – dans le quartier du Sacré Cœur. Nous l’y avions rencontré le 16 janvier 2016 alors qu’il était de passage à Paris, après la clôture d’une exposition à New York et avant de s’envoler quelques jours plus tard, vers le Cambodge, pour trois semaines. Là où son imaginaire va puiser à Angkor, là, où un entretien avec un sculpteur cambodgien l’attend, là, où sans doute, il va aussi créer sur place.

Simple rencontre informelle, à la suite de la publication dans les colonnes pileface de son texte « Rodin, le culte du nu »et d’un premier contact épistolaire, l’artiste m’avait invité à le rencontrer à son atelier. Une occasion de se « visionner »… Nous avons bavardé autour d’un café (il faisait froid – pas un whisky ou verre de Bourgogne, donc, comme il le propose volontiers dans son atelier de New York). Pas un entretien formel. Même si mes questions, relances, tournaient autour d’un centre de gravité : l’écriture chez lui, son alphabet avec une approche indirecte passant par Julia Kristeva et Michel Serres. Julia Kristeva (qu’il fréquente) auteure d’un beau texte relatant un souvenir d’enfance « la fête de l’alphabet », chaque année, au mois de mai, dans la Bulgarie de son enfance. Autre détour par Michel Serres et son livre « Statues », un livre que j’avais lu, il y a quelques années. Même, si dans cet essai, le titre n’est qu’un prétexte - on y parle assez peu de statues. Néanmoins, il y a toujours quelques étincelles qui jaillissent des court-circuits que Michel Serres établit entre les mots. Autant de prétextes à solliciter la parole libre d’Alain Kirili sur son art.

Un moment de vie partagé qui emplit mon esprit de sa bonhomie bienveillante. Je n’étais rien, il était connu et reconnu mais il m’a accueilli avec une modestie qui m’émeut encore, comme si je comptais parmi les siens. Alain Kirili, un grand artiste et un homme parmi les hommes, un honnête homme des XX et XXIe siècle.

L’atelier parisien

Une rue étroite, pentue qui descend de la butte Montmartre, un petit immeuble avec un portail, une large double porte en métal et verre Pas de nom. Un digicode. Zut, je n’ai pas le code !
…La porte se laisse pousser et débouche sous un porche. Sur le mur de gauche des grandes boîtes aux lettres, à partir du sol. En bas, il y a un nom composé avec Kirili. Je brûle ! Le porche débouche sur une petite cour pavée. En face, un immeuble avec une façade de rez-de chaussée en haute baie vitrée translucide, fentes de lumière étroites et contigües sur toute la largeur : les attributs d’un atelier d’artiste. Qui a œuvré là avant Alain Kirili ? Un peintre ? Ai oublié de lui poser la question. A gauche et à droite, un escalier de trois ou quatre marches, en saillie sur la cour. Instinctivement, me dirige vers la droite. En haut des marches, une porte métallique vitrée translucide à mi-hauteur : mastiquées sur les bords, les mêmes fentes vitrées que la verrière. Une inscription, …un graffiti, « Kirili » gravé maladroitement, sur le fer, avec un objet ayant servi de poinçon. Peut-être pour indiquer que le lieu a bien un propriétaire, tant il doit, souvent, sembler inoccupé. L’artiste vit surtout à New York.
…Pas de sonnette. Je pousse la porte et débouche sur une pièce très éclairée, la lumière électrique double intensément la lumière naturelle de la verrière.
Alain Kirili est là avec un de ses voisins du dessus. Je comprends qu’il habite là depuis plusieurs années et, n’avait jusqu’alors, jamais rencontré son illustre et discret voisin.
…Je vais prendre sa place, autour d’une table basse, il fait froid dehors, Alain Kirili me propose un café et se dirige vers le coin meuble-kitchinette de l’atelier où une cafetière délivre le breuvage de bienvenue. A côté, des étagères avec des livres d’art, des photos d’œuvres, des pots de poudre de couleurs, une table de travail, un canapé. Un lieu pour travailler et recevoir. Sur un présentoir, devant la verrière, des créations de petite taille en fil de fer, issues de son dialogue avec le peintre Hartung, lors de son séjour à la fondation Hans Hartung à Nice. Sur les murs blancs qui nous font face, les arabesques aériennes et légères, en fer martelé, de sa récente création La Vague, 2015, installée en continuité sur trois murs, sa dernière page d’écriture.
…Avant une autre, née de son dialogue avec la civilisation khmère d’Angkor Vat ?

VOIR AUSSI :

Alain Kirili, sculpteur : le goût de l’écriture / Rencontre informelle avec Alain Kirili

Alain Kirili et Ariane Lopez-Huici reçoivent

Alain Kirili sur pileface

https://www.kirili.com - Le site d’Alain Kirili, maintenu par Ariane Lopez- Huici. Belle Photothèque d’oeuvres de l’artiste.

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